Toot fijado

Y por último, voy con Lady Marbury!!!

La escultura de Lady Marbury está tallada en un árbol que murió debido al envenenamiento por sal. La escultura está inspirada en una historia de fantasmas asociada con el antiguo Marbury Estate.

Marbury Hall era una casa de campo en Marbury, cerca de Northwich. Varias casas existieron en el sitio desde el siglo XIII, que formaron la sede de las familias Marbury, Barry y Smith-Barry, hasta 1932, y la historia detrás de la misteriosa Lady Marbury está relacionada con James Smith Barry.
Smith-Barry viajó mucho y pasó gran parte de su tiempo en Italia, Grecia y el Levante. Se dice que en uno de sus viajes conoció a una encantadora niña egipcia. Se enamoró locamente de ella, y cuando tuvo que regresar a Inglaterra, le dijo que enviaría a buscarla para que lo siguiera y la hiciera su esposa. Sin embargo nunca envió a buscar a su dama egipcia… Algún tiempo después se dice que la dama egipcia llegó a Inglaterra. Algunos dicen que ella trabajaba como ama de llaves, otros que él la mantuvo como amante. En lo que todos están de acuerdo es en que ella pidió que cuando muriera, su cuerpo fuera embalsamado y guardado en el pasillo de Marbury Hall. Cuando Smith-Barry murió años después, la familia dijo que de eso nada, y organizaron un entierro y trasladaron el cuerpo a una iglesia cercana. Sin embargo, lo que no esperaban eran las apariciones que seguirían. Desde entonces, hay informes de avistamientos de una dama con un velo blanco, así como historias de sonidos y sucesos extraños.

Simon decidió representar a la dama egipcia en su escultura. Sin embargo la talló como una persona viva y como un fantasma! Esculpió el rostro que mira hacia la carretera para mostrar a la niña viva, con el rostro suave, su expresión majestuosa y orgullosa, mientras que la vista del huerto muestra sus ojos cerrados, las manos agarrando su pecho, contando la historia de su triste fallecimiento. Su rostro también está cubierto con fragmentos de velo que reflejan los relatos de avistamientos de Lady Marbury .
Además de representarla tanto en la vida como en la muerte, Simon hizo esto porque quería animar a la gente no solo a mirar pasivamente, sino a involucrarse físicamente con la escultura. Al tallarla de esta manera, la gente tiene que moverse físicamente al otro lado de la escultura para ver la historia completa.

Aquí os dejo un vídeo del proceso que tiene colgado en su caralibro
facebook.com/watch/?v=30747030

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Toot fijado

#MartesDeEscultura 

Para hoy he elegido a otro amiguete... François-Auguste-René Rodin, más conocido como Auguste Rodin.

Es uno de los escultores más famosos de Francia y para algunos es considerado “el padre de la escultura moderna”.

Nace en 1840 en el distrito 12 (actual distrito 5), una zona pobre de París.
A los 14 años, convence a su padre para que lo deje ir a la “Petite École”, donde tiene de profe al pintor Horace Lecoq de Boisbaudran. Aquí aprende técnicas tradicionales, perfecciona su capacidad de observación y practica el dibujo de la memoria.
Después de ganar un premio de dibujo, deja la "Petite École" e intenta ingresar en la École des Beaux-Arts para estudiar escultura. Suspende el examen de ingreso tres veces seguidas, por lo que decide iniciar su carrera artística fuera de los canales oficiales.

Fue criticado en su época por lo inacabado de muchas de sus obras, por el modelado espontáneo y expresivo.
Una curiosidad de aquí el amigo, es que Rodin trabajó en yeso, más que nada para criticar el elitista circuito del arte y a su única escultura oficial que era el mármol. Total, el yeso era blanco como el mármol pero mucho más barato, aunque también utilizó piedra, mármol y bronce.

Y ahora ya os pongo las obras que más me gustan, que para eso el hilo es mío, y no todo va a ser turra de leer...

Toot fijado


“Psique revivida por el beso de Cupido” de Antonio Canova en mármol

Psique era la menor y la más hermosa de tres hermanas, hijas del rey de Anatolia.

Celosa de su belleza, la diosa Afrodita envió a su hijo Eros para que le lanzara una flecha que la haría enamorarse del hombre más vil y horrible que existiera.

Cuando Eros la vio se enamoró de ella, lanzó su flecha al mar y esperó a que ella se durmiese para llevársela volando hasta su palacio.

Canova representó en esta escultura el momento en el que Eros reanima de su sueño a Psique mediante un beso después de haberla llevado a su palacio.

Actualmente la pieza se exhibe en el Museo del Louvre de París

📸​ (esta menda en su último viaje a París)

Hoy en el tenemos "Las tres gracias" de Antonio Canova

De esta obra hay dos versiones: la primera, encargada por Josefina de Beauharnais (esposa de Napoleón) que se conserva en San Petersburgo (Rusia); y la segunda, encargada por el sexto duque de Bedford que la exponen alternativamente, el Victoria & Albert Museum de Londres y las Galerías Nacional de Escocia.

La obra está tallada de una sola pieza de mármol. La primera versión de la obra (encargada por Josefina) está tallada en mármol veteado y tiene un pilar cuadrado detrás de la figura de la izquierda. La otra versión está tallada de mármol blanco y tiene un pilar redondo, y la figura central tiene una cintura ligeramente más amplia.
Las tres diosas se muestran desnudas, juntas en un abrazo, sus cabezas casi tocándose en lo que muchos han calificado como una obra de ‘carga erótica’. Están de pie, inclinadas hacia dentro; quizás discutiendo un problema común, o simplemente disfrutando estando juntas. Sus estilos de peinado son similares, con el cabello trenzado y sostenido en la parte superior de sus cabezas en un nudo.

Los historiadores del arte han comentado en el equilibrio pacífico que parece existir entre las cabezas de las tres Gracias. A diferencia de las composiciones habituales de las tres Gracias (donde las figuras externas están colocadas hacia el espectador y la figura central se acerca a sus amigas con su espalda en el espectador) las figuras de Canova están de lado a lado, enfrentándose.
Las tres figuras de las mujeres se convierten en una por el abrazo, unido por sus manos y por el velo que se enrosca en las tres. La unidad de las Gracias es uno de los temas principales de la obra.

P.D. Este toot lo programé hace días, que sigo en desconexión, pero amenazo con volver, no sé cuando será, pero volveré, que las turras no se dan solas 😝😘😘😘

EL RENACIMIENTO DE LA VICTORIA 

La estatua, de 2’70 metros de altura, constaba de seis piezas encajadas: cuerpo, busto-cabeza, brazos, pies, alas y manto trasero. Descansaba sobre una base en forma de proa de navío con tres espolones, hecha con 23 piezas en dos niveles, hasta alcanzar una altura total de 5,57 metros y un peso de 30 toneladas.
Es de alabar la labor llevada a cabo por los restauradores del Museo del Louvre, que lograron encajar los fragmentos y dar forma a la estatua basándose en ejemplos similares que aparecen en monedas y figuras de terracota.
La última restauración, acabada en 2014, que ha corregido defectos e incorporado fragmentos, ha intentado resolver la disposición de los brazos y las manos.

No sabemos cuánto tiempo estuvo en pie la Victoria de Samotracia, más allá de la remodelación del muro de cierre en época romana.
Lo más probable es que, como el resto del santuario, fuera víctima de los terremotos que se sucedieron en el siglo IV d.C., paralelos al abandono de los templos paganos. Muchos bloques se reutilizaron en construcciones bizantinas y los fragmentos escultóricos empezaron a diseminarse.
Tal vez entonces la Victoria perdió el rostro y los brazos, pero no su capacidad de fascinación, que siglos después sigue manteniendo intacta.

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¿CÓMO SE ESCULPIÓ LA VICTORIA? 

En 1863, Charles Champoiseau descubrió la parte principal de la Victoria de Samotracia, la que va del busto a los pies. También localizó durante los trabajos el ala izquierda, totalmente fragmentada pero casi íntegra. En cambio, nunca se recuperaron ni la cabeza ni los brazos, salvo unos pocos fragmentos. Esta fragmentación revela el modo en que se esculpió la obra, a partir de dos grandes bloques que forman el cuerpo y a los que se fijaron los brazos y las alas.

1. BLOQUES DE MÁRMOL PARA CADA PARTE.
Para tallar las piezas que forman la Victoria se cortaron varios fragmentos de mármol de diferente tamaño: dos bloques para cada brazo, dos bloques para cada ala, un bloque pequeño para la cabeza y el busto, y otro bloque de mayor tamaño para el cuerpo.

2. EL ENCAJE DE LAS DIFERENTES PIEZAS.
Una vez esculpidas cada una de las piezas por separado, éstas debían ensamblarse unas en otras.
En el interior del torso se horadó un agujero para encajar en él una pieza de bronce sobre la que se podría colocar el busto de la estatua, que así quedaría firmemente fijado.

3. LAS ALAS, EN SU LUGAR.
La colocación de las alas fue más compleja. Si se hubieran fijado al cuerpo de la estatua con un elemento metálico, su propio peso las hubiera hecho caer.
Por ello, el artista esculpió una especie de base en la espalda de la Victoria, sobre la que situó el resto del ala, fijándola con más seguridad.

4. ¿CÓMO ERAN LOS BRAZOS?
Debido a la forma de encaje del brazo derecho se deduce que éste se alzaría levemente en posición de saludo, sin sujetar ningún tipo de cinta, corona o trompeta.
Un pequeño fragmento que se conserva permite pensar que el brazo derecho estaba doblado por el codo.
Del brazo izquierdo no se ha conservado nada, y sólo existen hipótesis; tal vez iba pegado al cuerpo, o bien un poco levantado.

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#MartesDeEsculturas 

En el primer del año sólo voy a hablar de una obra. Pero pedazo de obra...
La escultura de hoy es de mis preferidas, y no es otra que la Victoria alada de Samotracia, que se puede contemplar en el Louvre de París.

Aunque esta obra maestra de mármol sigue siendo una de las esculturas más famosas de la historia, muchas personas no conocen su historia.
Los orígenes exactos de la Victoria alada de Samotracia aún son un misterio. La pieza probablemente fue hecha en la isla griega de Rodas a principios del siglo II a.C. (en el periodo helenístico).

La extraordinaria calidad de la Victoria, tanto por su ejecución como por los materiales usados (mármol azul de Lartos (Rodas) para la base y mármol cremoso de Paros para la estatua), indica que estamos ante una ofrenda de envergadura, digna de un rey o persona importante.
La escultura representa a Nike, la diosa griega de la victoria. Mientras el ropaje húmedo y golpeado por el viento se adhiere a su cuerpo, la figura alada camina triunfalmente hacia el frente de un barco, lo que lleva a concluir que fue creada para conmemorar una exitosa batalla naval.
La estatua era una de las muchas piezas de mármol que adornaban el Santuario de los Grandes Dioses, un antiguo complejo de templos en la isla de Samotracia.

Tengo tantos coloretes en los papos que ni con los filtros del snapchat :blobpeek:

La Iglesia de San Juan de Malta es la Sede de la Orden de Malta en Mallorca, también conocida como la Orden de San Juan de Jerusalén de Rodas y de Malta o los Hermanos Hospitalarios.

Pero hablemos del templo… Ya en el siglo XIII se levantaba aquí un oratorio de la Orden de San Juan de Malta, que fue completamente transformada en el siglo XVIII.
El edificio actual de estilo barroco data de 1758, pero ha sido muy trasformado, siendo su última restauración en 1957.
Tiende al clasicismo y a cierta sencillez ornamental y de líneas.
Es de planta rectangular, de una sola nave con capillas laterales y cabecera semicircular.
La nave está cubierta por una bóveda de cañón con lunetos. Las capillas también tienen bóveda de cañón y se abren a la nave principal con arcos de medio punto.
La fachada principal está formada por tres parámetros verticales separados por dos pilastras y dos líneas de impostas que dividen la fachada en tres pisos.
El portal dintelado está enmarcado por un arco de triunfo que acoge una imagen de Sant Joan Baptista.

La actual imagen de Sant Joan, situada en el frontispicio, es un duplicado de la primitiva. Ésta fue realizada en el siglo XIV y es la única pieza que queda de la iglesia gótica. La original del siglo XIV se encuentra en el Museo Diocesano.

Y por último, voy con Lady Marbury!!!

La escultura de Lady Marbury está tallada en un árbol que murió debido al envenenamiento por sal. La escultura está inspirada en una historia de fantasmas asociada con el antiguo Marbury Estate.

Marbury Hall era una casa de campo en Marbury, cerca de Northwich. Varias casas existieron en el sitio desde el siglo XIII, que formaron la sede de las familias Marbury, Barry y Smith-Barry, hasta 1932, y la historia detrás de la misteriosa Lady Marbury está relacionada con James Smith Barry.
Smith-Barry viajó mucho y pasó gran parte de su tiempo en Italia, Grecia y el Levante. Se dice que en uno de sus viajes conoció a una encantadora niña egipcia. Se enamoró locamente de ella, y cuando tuvo que regresar a Inglaterra, le dijo que enviaría a buscarla para que lo siguiera y la hiciera su esposa. Sin embargo nunca envió a buscar a su dama egipcia… Algún tiempo después se dice que la dama egipcia llegó a Inglaterra. Algunos dicen que ella trabajaba como ama de llaves, otros que él la mantuvo como amante. En lo que todos están de acuerdo es en que ella pidió que cuando muriera, su cuerpo fuera embalsamado y guardado en el pasillo de Marbury Hall. Cuando Smith-Barry murió años después, la familia dijo que de eso nada, y organizaron un entierro y trasladaron el cuerpo a una iglesia cercana. Sin embargo, lo que no esperaban eran las apariciones que seguirían. Desde entonces, hay informes de avistamientos de una dama con un velo blanco, así como historias de sonidos y sucesos extraños.

Simon decidió representar a la dama egipcia en su escultura. Sin embargo la talló como una persona viva y como un fantasma! Esculpió el rostro que mira hacia la carretera para mostrar a la niña viva, con el rostro suave, su expresión majestuosa y orgullosa, mientras que la vista del huerto muestra sus ojos cerrados, las manos agarrando su pecho, contando la historia de su triste fallecimiento. Su rostro también está cubierto con fragmentos de velo que reflejan los relatos de avistamientos de Lady Marbury .
Además de representarla tanto en la vida como en la muerte, Simon hizo esto porque quería animar a la gente no solo a mirar pasivamente, sino a involucrarse físicamente con la escultura. Al tallarla de esta manera, la gente tiene que moverse físicamente al otro lado de la escultura para ver la historia completa.

Aquí os dejo un vídeo del proceso que tiene colgado en su caralibro
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Que tienes un tronquito de madera y no sabes que hacer con él, pues nada, déjaselo a Simon que te fabrica un sofá chuli chuli en un pis pas, con bien de animalicos...

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También realiza piezas de fantasía como el hada cuqui de la foto, y piezas de películas y muchas cosas chulis (pero he dicho que iba a ser breve y ejem ejem…)

Una de sus piezas favoritas es la escultura basada en una pintura de Robert Bateman, The Angel of Bethesda (en la foto se ve la pintura y el resultado final).

Pero no sólo trabaja la madera, el amigo Simon también es un artista con el hielo! Y para muestra un botón ( o dos)

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Y para que veáis lo bueno que es en su trabajo, a partir de aquí os dejo unas cuantas fotos de sus obras.
Tenemos por un lado a la doncella de Oak (junto a Lady Marbury, de mis favoritas, no lo voy a negar) y un pequeño león de secuoya

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Hoy voy a ser breve (o no, quien sabe...)
Ya sé que dije que hasta que no hiciera el examen de enero no os daría la turra con las esculturas, peeeero es que he descubierto al señor Simon O'Rourke, que como él mismo se define, es un artista ambiental especializado en escultura en madera. Y creo que tenéis que conocerle un poquejo sí o sí…

Tiene su taller en el norte de Gales, concretamente en Wrexham. En él hace verdaderas obras de arte con madera de desecho o tocones en pie y para ello utiliza una variedad de herramientas eléctricas (entre ellas la motosierra :blobcatchainsaw: ) y manuales.
Sus obras van desde la escultura clásica de forma humana y animal, hasta el trabajo abstracto y la recreación de logotipos en madera. Vamos, que vale pa tó!!

(La de la mano es la que os enseñé el otro día)

Un año más el solsticio de invierno nos deja una bella imagen de la Seu de Palma.
Cada año se puede contemplar el fenómeno lumínico desde las terrazas de Es Baluard y que se plasma en la Catedral de Mallorca.

Durante el amanecer, los rayos de sol atraviesan el gran rosetón del altar de la Seu y salen por el rosetón de poniente, el del portal mayor. Se forma así un cilindro de luz perfectamente alineado produciéndose un efecto de luz semejante a un caleidoscopio.

youtu.be/5Urf8vbCT94

La foto no es mía, me la han enviado por el guasap, pero merece ser compartida porque es

Lo que ha hecho el amigo Simon O'Rourke con un árbol un poco cascaete y una motosierra :blobcatchainsaw: :blobaww:
A @ecotejados le gusta esto

Y por último, pero no por ello menos importante...
LA PUERTA DEL INFIERNO
1880- en torno a 1890
Bronce
Alt. 635 cm ; Anch. 400 cm ; P. 85 cm
La Puerta del Infierno ocupa un lugar muy peculiar en la creación de Rodin.
Trabajó en ella durante varios años. Creó más de doscientas figuras y grupos que forman un verdadero vivero del que fue sacando, durante el resto de su carrera.
Tras esperar poder presentarla en la Exposición Universal de 1889, dejó de lado La Puerta a finales de la década de 1880.
En varias ocasiones, quiso acabar su obra. En 1900, en su gran exposición personal decidió mostrarla al público, pero lo hizo en un estado fragmentario, ya que al final renunció a colocar las figuras más en relieve, independientes de la estructura principal, opinando que producían un contraste demasiado fuerte con el fondo.
En torno a 1907, La Puerta estuvo cerca de ver el día, en una versión que combinaba bronce y mármol, e iba a ser instalada en el museo del Luxembourg, donde se mostraban las obras adquiridas por el Estado acerca de los artistas contemporáneos.
Fue en 1917 cuando Léonce Bénédite, primer conservador del museo Rodin, logró convencer al escultor para que le dejase reconstituir su obra maestra, y realizar una fundición.
Rodin murió antes de ver el resultado de todos sus esfuerzos.

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LA CATEDRAL
1908
Piedra
Alt. 64 cm ; Anch. 29,5 cm ; P. 31,8 cm
Tallada en la piedra y dejando aparentes las huellas de las herramientas, La Cathédrale [La Catedral] reúne en una misma obra dos manos derechas, que pertenecen a dos figuras distintas.
Esta obra, forma parte de un conjunto de manos en mármol, talladas principalmente después de 1900, como La Main de Dieu [La Mano de Dios], La Main du diable [La Mano del Diablo], Les Mains d’amants [Las Manos de amantes] o Main sortant de la tombe [Mano saliendo de la tumba].
Subraya el afán y la pasión de Rodin por esta parte del cuerpo que aísla, como en los fragmentos de colección de la Antigüedad, para darle una forma acabada y una vida autónoma.

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EL PENSADOR
1903
Bronce
Alt. 180 cm ; Anch. 98 cm ; P. 145 cm

El pensador, en principio fue creado para decorar el tímpano de La Puerta del Infierno, y representaba a Dante, el autor de La Divina Comedia que inspiró La Puerta, inclinado hacia delante para observar los círculos del Infierno, meditando sobre su obra. Pero dada la expresividad individual, Rodin pensó en crear una escultura independiente y ampliada que encarnara a todos los creadores que hubo en la historia.
Sin embargo, por estar absorto en sus pensamientos, su desnudez y el hecho de que sus músculos estén en tensión da la impresión de que la figura evoca mucho, mucho más que la creatividad. Da lugar a una figura que representa a la perfección la filosofía.
Todo en esta escultura está pensando. Es la manifestación corporal del hecho de pensar.
Existen muchas copias en bronce, en distintas dimensiones, de la obra, todas ideales para el exterior. Esta es la del museo Rodin, donde descansan los restos del artista.

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LA MANO DE DIOS O LA CREACIÓN
1896
Mármol
Alt. 94 cm ; Anch. 82,5 cm ; P. 54,9 cm
Las figuras de Adán y Eva se extirpan con dificultad de un trozo de barro, sujetado por una ancha mano derecha que emerge de la masa a penas desbastada de un bloque de mármol.
La Mano de Dios quiere simbolizar a Dios creando los primeros seres humanos de la misma forma que el escultor trabaja la arcilla para dar vida a personajes.
El contraste entre las partes muy pulidas y el mármol bruto, la actitud de Eva, que evoca la de la escultura del Día de la capilla de San Lorenzo en Florencia, hacen referencia al trabajo de Miguel Ángel, para quien la escultura, oculta en el bloque de mármol, tenía que ser extraída por el trabajo del escultor.

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FUGIT AMOR
1885
Mármol
Alt. 51 cm ; Anch. 72 cm ; P. 38 cm
Es sin duda alguna una de las más bellas composiciones de Rodin: ambos cuerpos tensos se han juntado con una perfecta fluidez.
Este tema, dos veces presente en La Puerta del Infierno, fue mostrado solo a partir de 1887 bajo diversos títulos Le Rêve [El Sueño], Le Sphinx [El Esfinge] o La Sphinge [La Esfinge], que traducen bien sus estrechas relaciones con la estética simbolista de la mujer fatal.
Dante describe en el segundo círculo del Infierno el errar sin fin de las parejas unidas por un amor prohibido. El hombre y la mujer no desempeñan el mismo papel: la belleza y la sensualidad de la tentadora, arrastran al hombre hacia su caída.
Esta traducción plástica de las fantasías y de las angustias de la época tuvo mucho éxito, tanto que existen muchas versiones en bronce y en mármol.

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EL BESO
En torno a 1882
Mármol
Alt. 181,5 cm ; Anch. 112,5 cm ; P. 117 cm

En principio, esta estatua representaba a Paolo y Francesca, dos personajes de La Divina Comedia de Dante, que fueron asesinados por el marido de la chica al sorprenderlos besándose y ambos enamorados fueron condenados a errar en los Infiernos.
La ideó para La Puerta del Infierno, en el proceso creativo se encontraba situada en la parte inferior de la hoja izquierda. Sin embargo, se dio cuenta de que la escultura transmitía más bien felicidad y sensualidad, por lo que decidió convertirla en una obra autónoma e independiente, y el público la acabó bautizando Le Baiser (El Beso).

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